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ParMichel Caumes

Podcast – Comment augmenter la sensation de profondeur d’une photo ?

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Une photo est en 2 dimensions (2D), délimitée par un cadre ayant une hauteur et une largeur bien définies, alors que la réalité que nous observons avec nos 2 yeux est en 3 dimensions (3D) et de plus en stéréoscopie (relief créé par l’écartement de nos 2 yeux)

La photographie est donc une transcription de la réalité, une interprétation.

Il existe plusieurs techniques pour “tromper le cerveau” du spectateur de la photo et la rendre la plus réaliste possible:

1 – Le rapport d’échelle. On utilise la perspective (plus loin = plus petit) à travers les lignes de fuite

2 – Donner une référence. Par exemple en plaçant un personnage dans un décor immense, le spectateur a un point de référence pour se représenter l’échelle et le rapport de taille entre les objets (taille le la montagne par rapport à l’humain)

3 – L’opposition de couleurs. Deux couleurs opposées (par exemple le rouge et le vert, ou le jaune et le violet) contrastent entre elles et donnent du relief à l’image

4 – La direction de la lumière. Les ombres rasantes obliques du coucher de soleil font ressortir les textures des objets et des surfaces et augmentent la sensation de relief

5 – La superposition. Des éléments en cachent d’autres, ce qui crée un plan multiple (Walt Disney a inventé la caméra et décor multiplan pour donner plus de profondeur à ses dessins animés long métrage)

6 – Le contraste et micro contraste. Ils diminuent avec la distance dans un paysage par exemple. Idem pour le contraste des couleurs

7 – L’ effet de vision. En utilisant une plus ou moins grande profondeur de champ (PDC), on focalise le regard du spectateur sur un point en crée un flou plus ou moins important sur l’arrière plan (bokeh)

8 – La retouche photo au post-traitement. En accentuant le contraste, le contraste des couleurs, la texture et le micro-contraste (par la clarté), on peut encore augmenter la sensation de profondeur et de relief d’une photo.

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ParMichel Caumes

Podcast – Tous les types d’appareils photos. Pour qui et pour quel usage ?

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Il existe aujourd’hui de très nombreux types d’appareils photo sur le marché.

Peut-être êtes-vous un peu perdu pour choisir celui qui correspond à vos besoins, à votre style de photographie et à vos sujets préférés ?

Dans ce podcast, je passe en revue tous les types d’appareils (ou du moins les plus courants), et je vous partage ce que je vois comme avantages et inconvénients pour différentes pratiques photographiques et types de sujets photographiés

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ParMichel Caumes

École de photographie. Est-ce indispensable pour devenir photographe professionnel ?

Le lien vers la formation “Comment devenir photographe professionnel ? ” : http://bit.ly/2qyfNxb

Comme le métier de photographe professionnel ne fait pas partie des professions réglementées, il n’est pas légalement obligatoire d’avoir un diplôme, que ce soit au travers d’une école photo ou d’un cursus de l’éducation nationale.

Les avantages de faire un cursus dans une école de photographie sont principalement d’avoir un plan de formation structuré, d’avoir de la motivation et des personnes réelles qui peuvent vous corriger en direct.

Mais c’est un investissement en argent et en temps relativement important qu’il faut ensuite amortir au début de sa vie professionnelle.

On peut très bien être autodidacte et devenir un excellent photographe professionnel, sachant que le cœur du métier, c’est-à-dire la prise de vue et le traitement des images ne représente peut-être que 20 % maximum du temps de l’activité.

D’autres qualités, notamment de gestionnaire, de commercial et de chef d’entreprise sont indispensables pour faire carrière surtout à son compte, ce qui représente plus de 90 % des photographes professionnels.

Dans tous les cas, même en apprenant la photographie par vous-même, il est toujours bon d’échanger avec d’autres photographes, notamment au cours de workshop ou de stages sur des points précis sur lesquels vous avez envie de progresser.

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ParMichel Caumes

Quels sont les avantages et inconvénients du Full Frame ?

Dans ce podcast, je vous parle du format full frame, dit “plein format” car il est issu du 24×36 mm des pellicules argentiques historiques.

Ce format a été adopté très tôt dans l’histoire de la photographie car il était un très bon compromis entre la qualité de l’image, les possibilités techniques et artistiques, et la portabilité des appareils associés à ce format.

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